Академическая
живопись появилась в шестнадцатом века. Мы же понимаем, что из ничего не может появится, что-то (глубокая мысль ))) примечание автора). Академическое искусство развивалось на опыте Художников
Возрождения. Развитие науки так же помогло развитию академической живописи. Например, законы перспективы, анатомии, и т. д.
Появилась необходимость обобщить
накопленный опыт в изобразительном искусстве, и организовать новый метод образования. В семнадцатом веке начали открываться художественные школы. В дальнейшем Академии Художеств. Рисунок был одним из
основных предметов обучения.
Художник William-Adolphe Bouguereau
Каких то «отцов» основателей Академического искусства не было, и быть не могло. Но вот об одной из известных Академий Художеств, своего времени, история сохранила информацию. Так братья Людовик,
Агостино, Аннибале Карраччи поставили себе целью собрать все лучшее, на свое время, в искусстве и культуре. Так появилась Болонская Академия Художеств.
Рисунок, живопись,
скульптура, композиция, пластика, анатомия, и множество других предметов талантливая молодежь могла изучать в таких заведениях. И хотя сейчас есть много мнений, что академический рисунок сушит, не
дает развиться индивидуальности, не лишним заметить, что многие направления вышли из академизма. И гении современных направлений, так же в свое время прошли академическую школу.
В этой статье мы познакомимся с выдающимся художником, так называемой салонной академической живописи Вильямом-Адольфом Бугеро (1825—1905). Это французский художник. Окончив Королевскую школу получил
награду (путешествие в Италию). В его копилке около семисот картин. Творческая карьера Williama-Adolphe Bouguereau сложилась удачно. В свое время он считался самым из самых авторитетных мастеров
живописи в мировом масштабе.
Картины Бугеро выставлялись и покупались. Сюжеты полотен библейские, исторические и мифологические построены по всем правилам академической живописи.
Ян Вермеер (1632—1675) — голландский художник, мастер жанрового портрета. Один из великих живописцев нидерландского искусства, так же как, Рембрандт и Франс Халс.
Нет точной даты рождения Яна Вермеера. Известно лишь, что крещен 31 октября 1632 года в Делфте. Ян был второй ребёнок в семье торговца. Отец занимался шелкоткачеством и торговлей предметами
искусства. Об образовании Вермеера нет информации, но известно, что его приняли в гильдию Святого Луки. Условия гильдии предполагали членство в ней после шести лет обучения у мастера, состоявшего
в гильдии.
Вермеер был женат, у него было 15 детей. Еще при жизни художника его картины высоко ценились, поэтому семья жила в достатке.
На сегодняшний день доказана подлинность 34 картин Вермеера. Продолжительное время велись поиски неизвестных картин Вермеера. В 1930-х гг. появилось несколько удачных подделок. Самым успешным
фальсификатором был Хан ван Меегерен. Ему удалось продать картину даже фашистскому лидеру Герману Герингу.
Картины Яна Вермеера
«Девушка с жемчужной сережкой». 1665. 44,5 × 39 см. Холст, масло.
Редкие работы Зинаиды Серебряковой
Биография Зинаиды Евгеньевны Серебряковой
(1884-1967)
Зинаида Серебрякова родилась 28 ноября 1884 года в родовом имении «Нескучное», под Харьковом. Ее отец был известным скульптором. Мать происходила из семьи Бенуа, и в
молодости была художником-графиком. Ее братья были не менее талантливы, младший был архитектором, а старший мастером монументальной живописи и графики.
Своим художественным развитием Зинаида в первую очередь обязана своему дяде Александру Бенуа - брату матери и старшему брату.
Детство и юность художницы прошли в Петербурге в доме деда, архитектора Н. Л. Бенуа и в имении «Нескучном». Внимание Зинаиды всегда привлекала работа юных крестьянских
девушек в поле. Впоследствии это не раз отразиться в ее творчестве.
В 1886 году после смерти отца, семья перебирается из имения в Петербург. Все члены семьи были заняты творческой деятельностью, с увлечением рисовала и Зина.
В 1900 году Зинаида закончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой.
В 1902-1903 годах во время поездки в Италию она создала множество набросков и этюдов.
В 1905 она выходит замуж за Бориса Анатольевича Серебрякова — своего двоюродного брата. После свадьбы молодые отправились в Париж. Здесь Зинаида посещает Академию де ла Гранд Шомьер,
много работает, рисует с натуры.
Через год молодые возвращаются домой. В Нескучном Зинаида напряжённо работает — создает этюды, портреты и пейзажи. В самых первых работах художницы, уже можно разглядеть ее
собственный стиль, определить круг ее интересов. В 1910 году Зинаиду Серебрякову ждет настоящий успех.
В 1910 году, на 7-й выставке русских художников в Москве, Третьяковская галерея приобретает автопортрет «За туалетом» и гуашь «Зеленя осенью». Ее пейзажи великолепны - чистые, яркие
тона красок, совершенство техники, небывалая красота природы.
Расцвет в творчестве художницы происходит в 1914—1917 годах. Зинаида Серебрякова создала серию картин, посвященных русской деревне, крестьянскому труду и русской природе -
«Крестьяне», «Спящая крестьянка».
В картине «Беление холста» раскрылся яркий талант Серебряковой как художника-монументалиста.
В 1916 году А. Н. Бенуа была поручена роспись Казанского вокзала в Москве, он привлек к работе и Зинаиду. Художница занялась темой стран Востока: Индия, Япония, Турция. Она
аллегорически представила эти страны в виде прекрасных женщин. Одновременно она начала работу над композициями на темы античных мифов. Особую роль в творчестве Зинаиды Серебряковой занимают
автопортреты.
Во время гражданской войны, муж Зинаиды был на изысканиях в Сибири, а она с детьми в «Нескучном». Переехать в Петроград казалось невозможно, и Зинаида отправилась в Харьков, где нашла
работу в Археологическом музее. Ее родовое имение в «Нескучном» сгорело, погибли все ее работы. Позже умер Борис. Обстоятельства заставляют художницу оставить Россию. Она отправляется
во Францию. Все эти годы художница жила, в постоянных мыслях о муже. Она написала четыре портрета мужа, которые хранятся в Третьяковской галереи и Новосибирской картинной
галереи.
В 20-х годах Зинаида Серебрякова вернулась с детьми в Петроград, в бывшую квартиру Бенуа. Дочь Зинаиды Татьяна начала заниматься балетом. Зинаида, вместе с дочерью посещают
Мариинский театр, бывают и за кулисами. В театре Зинаида постоянно рисовала. В 1922 году она создала портрет Д. Баланчина в костюме Вакха. Творческое общение с балеринами на протяжении трёх
лет отразилось в изумительной серии балетных портретов и композиций.
Семья переживает тяжелые времена. Серебрякова пробовала писать картины на заказ, но у нее ничего не получилось. Она любила работать с натурой.
В первые годы после революции, в стране началась оживлённая выставочная деятельность. В 1924 году Серебрякова стала экспонентом большой выставки русского изобразительного искусства в Америке. Все
представленные ей картины были проданы. На вырученные деньги, она решается ехать в Париж, чтобы устроить выставку и получить заказы. В 1924 году она уезжает.
Годы, проведенные в Париже, не принесли ей радости и творческого удовлетворения. Она тосковала по родине, стремилась отразить свою любовь к ней в своих картинах. Ее первая
выставка прошла лишь в 1927 году. Заработанные деньги она высылала матери и детям.
В 1961 в Париже ее навещают два советских художника – С. Герасимов и Д. Шмаринов. Позже в 1965 году, они устраивают для неё выставку в Москве.
В 1966 году состоялась последняя, большая выставка произведений Серебряковой в Ленинграде и Киеве.
В 1967 году в Париже в возрасте 82 лет Зинаида Евгеньевна Серебрякова скончалась.
Не редкость, что сильные эмоции вызывают у творческого человека самовыражение и желание претворить в реальность собственное видение. Подобным вдохновением, своеобразной музой для Рембрандта при
написании картины Даная выступил древнегреческий миф, повествующий о заточении прекрасной девушки отцом, которому была предсказана смерть от руки собственного
внука. На картине изображена Даная в момент появления Зевса в образе золотого дождя, осветившего всю комнату, пленённый красотой девушки, для которого не существовало никаких
преград. И хотя Рембрандт не запечатлел потоки дождя, само свечение, к которому обращён взор Данаи отчётливо видно.
Картина «Даная» несмотря на ситуацию героини с нелёгкой судьбой пронизана тёпло-солнечными и мягкими красками, золотистым переливающимся цветом, дающим надежду, бликами играющим на
лице девушки. И лишь фигура плачущего малыша над изголовьем Данаи возвращает к действительности, давая понять, что блеск света мимолётен.
Даная удивлена или находится в смятении? Ослеплена и слегка приподнятая рука – попытка прикрыть глаза от яркого света? Или это – своеобразный знак приветствия таинственного гостя, вызвавшего в
доверчивом и открытом сердце волнение? На её лице улыбка счастья или всё ж фатальности? Совпадает ли наше видение стилистики картины «Даная» замыслу самого автора?
Остаётся лишь гадать, к какому варианту могут завести фантазии каждого, благодаря Рембрандту имеющего возможность соприкоснуться с таинственно-прекрасным и отчасти мифичным.
Молодой художник приобрёл в Севилье уже достаточно хорошую репутацию. Его учитель Пачеко, а также друзья и земляки старались помочь его карьере. В 1622 году он был в первый раз отправлен в Мадрид. Но, несмотря на то, что земляки, державшиеся в столице вместе, пытались ему
помочь, предстать перед королевскими очами ему не удалось.
Впав в уныние, Веласкес вернулся в Севилью. Но не успел он пробыть дома и двух месяцев
(1623), как его догнало письмо от севильянца, служившего королевским капелланом. Он писал ему, что придворный живописец Родриго де Вильяндрандо умер, и место стало вакантно.
Веласкес стремительно отправился ко двору, остановился в доме своего друга капеллана и написал его портрет. Другой севильянец, камердинер кардинала-инфанта Фердинанда (королевского
брата), отнёс его во дворец и показал хозяину. Кардинал-инфант пришёл в восторг и сразу заказал Веласкесу свой портрет. К тому времени изображение каноника уже увидел и сам король Филипп
IV. Ему понравилось настолько, что он приказал брату — кардиналу-инфанту, уступить очередь позирования. Так Веласкес наконец получил возможность показать себя.
Картина произвела фурор («Портрет Филиппа IV с прошением», 1623, не сохранилась). Веласкесу выплатили
гонорар, затем назначили ренту, а также приняли на должность придворного художника. Филипп IV повторил ему обещание Александра Македонского,
адресованное Апеллесу: «Никто, кроме тебя, писать меня больше не будет».
В июле 1629 года художник в сопровождении генерала Спинолы, только что назначенного командующим испанскими войсками в
Италии, покинул Мадрид. Путешествие по Италии нельзя было назвать приятным: должность королевского камергера, статус протеже графаОливареса и, плюс
к тому, что его спутником был генерал — всё это вызывало раздражение у подозрительных итальянцев, считавших Веласкеса чуть ли не испанским шпионом. Недоброжелательность местной аристократии,
возможно, слегка и задевала художника — но не более того, поскольку главную цель своего путешествия он заранее определил как «совершенствование профессионального мастерства». Знакомство с
творениями великих итальянских художников оказало влияние на стиль живописца — он сделался более свободным и блестящим, колорит менее тёмным в тенях и передающим натуру в ярком освещении.
В конце августа 1629 года Веласкес прибыл в Геную. Оттуда он направился в Милан,
а затем — в Венецию. Именно в Венеции художник столкнулся с наиболее яростным
неприятием итальянцами испанцев как таковых, и в октябре 1629 года спешно покинул город и устремился
в Рим, где, в случае чего, можно было рассчитывать на заступничество Папы. В Вечном Городе художник пробыл до конца следующего года.
В 1634 году знаменитый художник получил почётное звание королевского гардеробмейстера,
в 1643 году — камердинера, в 1642—1644 гг. он сопровождал короля в его походе на Арагон.
В конце 1648 года Веласкес совершил второе путешествие в Италию — наиболее удачным
произведением, написанным в этой поездке, стал портрет папы Иннокентия X. В Италии
художника ждал шумный успех, он был избран членом Римской академии.
Ранние полотна севильского периода в основном были созданы в жанре бодегонов (исп.bodegon — трактир).
В основном это были натюрморты, кухонные сцены, трактирные зарисовки. («Завтрак», около 1617—1618; «Старая кухарка», около 1620;
«Завтрак двух юношей», «Водонос», около 1621). В похожем стиле написаны и несколько религиозных картин этого
же периода — «Поклонение пастырей», «Поклонение волхвов» (1619); «Христос в доме Марфы и Марии» (около 1620).
Прежде всего в них ощущается внимательное изучение молодым Веласкесом караваджистского искусства, многие образцы из которого были доступны в Севилье. А также
долгое пребывание в мастерской Пачеко: работа с натуры, тщательность рисунка, точность сходства с моделью.
В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628—1629, «Кузница Вулкана», 1630), а также историческим — «Сдача Бреды» (1634).
Портреты, созданные Веласкесом в 1630—1640 годах, принесли ему заслуженную славу мастера этого жанра. Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и
естественны. Фон подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма строгая, но оживляется тщательно подобранными сочетаниями цветов. Веласкесу удавалось в портрете передать характер
человека, показать противоречивость черт его характера.
Наиболее известны портреты дона Хуана Матеоса (1632), генерала Оливареса (1633), конный портрет короля Филиппа III (1635), папыИннокентия
X (1648), а также серия портретов карликов и шутов (Los truhanes).
Портретам позднего периода творчества Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость (инфанта Мария Тереза, 1651; Филипп IV, 1655—1656; инфанта
Маргарита Австрийская, около 1660).
Непосредственным продолжателем и наследником его должности при дворе оказался его ученик и муж его дочери Франсиски — Хуан Батиста дель Масо(англ.)русск..
Но он не обладал талантом своего предшественника, и смог воспроизводить лишь некоторые внешние формы. Другой ученик Веласкеса — Хуан де
Пареха, мавр, бывший слугой в его мастерской. (Веласкес изобразил этого африканца на одном из лучших своих портретов). Пареха писал портреты и религиозные картины.
После Веласкеса при мадридском дворе короля Карлоса II работали Клаудио Коэльо и Хуан Каррено де Миранда. Со сменой
правящей династии (Испанские Бурбоны) французское барокко
и рококо вытеснило в высших слоях столь прекрасно созданный Веласкесом реализм и натурализм.
Позже к наследию Веласкеса обратились уже романтики и импрессионисты.
Леонардо да Винчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, 15 апреля 1452, село Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Кло-Люсэ, близ Амбуаза,
Турень, Франция) — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства
Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» (лат. homo universalis) — идеала итальянского Ренессанса. Явив собою идеал ренессансного «универсального человека», Леонардо
осмысливался в последующей традиции как личность, наиболее ярко очертившая диапазон творческих исканий эпохи.
Превзошедший по универсальности своих дарований всех гениев итальянского Возрождения, Леонардо да Винчи принадлежал к тому же поколению, что и завершившие развитие Раннего Возрождения
Боттичелли, Гирландайо, Карпаччо, Перуджино, Пинтуриккио, Синьорелли. В то же время он выступил как один из величайших реформаторов итальянского искусства, воплотивший в своих работах новое
мироощущение, новые принципы художественного обобщения, ставшие основой искусства Высокого Возрождения.
Мона Лиза (Джоконда)
В портрете "Моны Лизы" или "Джоконды" (около 1503, Лувр, Париж) он воплотил возвышенный идеал вечной женственности и человеческого обаяния; важным элементом композиции стал космически
обширный пейзаж, тающий в холодной голубой дымке.
Фреска "Тайная вечеря" на стене трапезной миланского монастыря Санта Мария делле Грацие
В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие он выполнил стенную роспись “Тайная вечеря” (1495-1497; из-за особенностей примененной Леонардо да Винчи техники - масло с темперой -
сохранилась в сильно повреждённом виде; в ХХ веке реставрирована), знаменующую собой одну из вершин европейской живописи; ее высокое этическое и духовное содержание выражено в математической
закономерности композиции, логически продолжающей реальное архитектурное пространство, в ясной, строго разработанной системе жестов и мимики персонажей, в гармоничной уравновешенности форм.
Занимаясь архитектурой, Леонардо да Винчи разрабатывал различные варианты “идеального” города и проекты центрально-купольного храма, оказавшие большое влияние на современное ему зодчество
Италии. После падения Милана жизнь Леонардо да Винчи прошла в непрестанных переездах (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Флоренция; 1500 - Мантуя и Венеция; 1506, 1507-1513 - Милан; 1513-1516 -
Рим; 1517-1519 - Франция). Во Флоренции он работал над росписью зала Большого Совета в Палаццо Веккьо “Битва при Ангьяри” (1503-1506, не закончена, известна по копиям с картона), стоящей у
истоков европейского батального жанра нового времени.
“Мадонна в скалах”
В миланский период Леонардо да Винчи создал “Мадонну в скалах” (1483-1494, Лувр, Париж; 2-й вариант - около 1497-1511, Национальная галерея, Лондон), где персонажи представлены в окружении
причудливого скалистого пейзажа, а тончайшая светотень играет роль духовного начала, подчеркивающего теплоту человеческих отношений.
Мадонна Бенуа
В ранних произведениях (голова ангела в “Крещении” Верроккьо, после 1470, “Благовещение”, около 1474, - оба в Уффици; так называемая “Мадонна Бенуа”, около 1478, Государственный Эрмитаж,
Санкт-Петербург) художник, развивая традиции искусства Раннего Возрождения, подчеркивал плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживлял лица еле уловимой улыбкой, добиваясь с её
помощью передачи тонких душевных состояний.
Фрагмент картины Леонардо да Винчи "Портрет Джиневры де Бенчи".
Anders Zorn - svenska konstner
Eugene Galien Laloue (1854 - 1941)
Французский художник с итальянскими корнями, родился в Париже 11 декабря 1854 года. Является признанным мастером французского импрессионизма, художником уличных городских сцен, чье творчество
охватывает четыре десятилетия.
